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Aprendiendo a animar

Es necesaria cierta disciplina para realizar una animación creíble. Toda animación está determinada por ciertos principios y reglas, que se basan en cómo se mueven las cosas y en cómo podemos descomponer ese movimiento en fotogramas. El primer principio de la animación, timing, está basado en la visión y en la persistencia retiniana: el modo en el que el ojo procesa distintas fotografías para hacer una película en movimiento.

Las películas se proyectan a 24 fotogramas por segundo en el cine y a 25 fps para la televisión. Sin embargo, esto no quiere decir necesariamente que la rpoducción de nuestro proyecto tenga que tener 24 ó 25 movimientos diferentes por segundo para conseguir un movimiento lo bastante fluido. ¿Cómo debería ser el proceso de rodaje? ¿Cuántas fotos necesito para crear un movimiento aceptable?

 

Poco a poco iremos aprendiendo a calcular el movimiento que más nos conviene cambiando la frecuencia de disparo de nuestras fotografías. Para ello podemos trabajar foto a foto (singles) o de dos en dos (double frame). El movimiento foto a foto es cuando creamos movimiento en cada toma, creando un movimiento fluido y suave. Especialmente utilizados en movimientos y acciones rápidas, que necesitan grandes detalles en la animación.

Para hacer más creíble nuestra animación es necesario:
Dotar de peso a los objetos inanimados: tenemos que tener en centa cuánto tiempo tardará en caer una piedra o una pequeña hoja de árbol.

Dotar de peso a las los seres vivos. Queremos que nuestro público crea que nuestras marionetas están vivas, que respiran, que piensan por sí solas, que parezca que tienen vida por sí mismas.

La percepción del peso la crearemos dependiendo de cuánto tiempo, es decir, fotogramas, le demos al movimiento. Un ser que se mueve despacio parece más pesado, un elefante o un dinosaurio. Los que que se mueven más rápido parece más ligeros, más veloces. Para dar a un objeto un comienzo rápido, haremos movimientos muy pequeños en cada foto, incrementando poco a poco la cantidad de movimientos para darle mayor velocidad.

El mejor ejercicio para comenzar a tener los conceptos básicos de la animación, así como los de peso y el timing es el de la pelota.

 

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Modelos de plastilina

Los primeros usos de la plastilina en animación se remontan a principios del siglo pasado, en 1910 cuando, James Stuart Blackton realizó una secuencia de animación en “Chew Chew Land” en 1910.

Podemos crear nuestro personaje directamente en plastilina. Es la forma más barata, pero no por ello es necesariamente la más fácil. Requiere de manos experiemntadas para poder remodelar la figura cada vez que se nos deforme y volver a ponerla en su forma original. Hay que tener en cuenta que la plastilina se estira y puede llegar a deformar nuestro muñeco. Los objetos que no tengan formas definidas o puntas afiladas son perfectos para representarlos en plastilina. Sigue leyendo

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Bienvenidos a Cine de Plastilina

Este proyecto tratará de establecer una comunidad formal de aficionados y realizadores de esta forma de expresión conocida como “Stop Motion. La idea principal de este proyecto consiste en la creación de un portal web que sirva como punto de reunión para los simpatizantes del género, donde tanto principiantes como creadores experimentados, puedan ofrecer una visión más detallada de su experiencia.

Se trata de establecer una comunidad sólida en torno a la animación con plastilina. En este portal se pueden encontrar artículos escritos, Cursos de animación, cortometrajes, concursos, talleres de construcción de marionetas (desarrolladas por los distintos miembros de la comunidad)…

El objetivo es recopilar y explicar detalladamente todos los pasos necesarios para realizar una animación de calidad, integrando los procesos de creación en el cine de preproducción, producción y postproducción, es decir: desde la construcción de plastilina y marionetas, storyboard,  pasando por los aspectos artísticos de iluminación, animación básica, construcción de un set de rodaje… así como el uso y manejo de la cámara de fotos y tutoriales para programas de retoque fotográfico y montaje de vídeo.


1-) Desarrollo creativo: En esta primera fase, se planean y conceptualizan las ideas. Se crea el script, guión, se diseñan los personajes, ambientes, universo, se define el look visual y auditivo, planeación y cronograma, definición del presupuesto, financiación, recursos y story board.
2-) Pre-producción: Después de tener “en papel” las ideas claras, se comienza con la graficación y desarrollo de todas las cosas que necesite la animación. Se modelan así como la utilería y escenarios requeridos, se crea la iluminación necesaria dependiendo del argumento de la historia, se realiza el guion y se crea el primer prototipo animado.
3-) Producción: En la tercera fase se fusionan las 2 fases anteriores y se comienza la creación de la animación final como tal, se le aplica la iluminación estipulada y se sincronizan los tiempos de duración de cada escena. En este apartado explicaremos todas las técnicas utilizadas así como una sección de consejos y trucos.
4-) Post-Producción: Es la última fase correspondiente al desarrollo de la animación como tal. Se trabaja en la composición de la misma, se aplican los efectos viusales y la adición de los sonidos necesarios. Por último se edita su versión final y se renderiza el formato estipulado.

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